Partindo de memórias do Cariri, da infância, da religião e da cultura popular, Charles Lessa não representa essas experiências de forma fiel, mas as transforma em matéria de ficção. Nesse universo, anjos, cães, monstros, santos, demônios e corpos queer convivem sem hierarquias entre o sagrado e o profano, o belo e o estranho, o sonho e o pesadelo, a realidade e a fantasia. Charles mistura referências populares com internet, cultura pop, humor, deboche e imaginários futuristas.

“Paraíso relembrado” comemora os 10 anos de trajetória de Charles Lessa e apresenta a sua nova pesquisa sobre o realismo fantástico. Em sua produção recente, casas, cidades, corredores e labirintos ganham força, fazendo da arquitetura uma forma da memória e do inconsciente. Se antes Charles parecia inventar os personagens e habitantes de sua cosmologia, agora começa a construir também o mundo onde eles possam morar.

Paradoxalmente, esse novo mundo nasce através de uma poética da desfamiliarização. Em sua pesquisa, desfamiliar significa produzir uma distância em relação ao cotidiano e ao território recebido. Ao mesmo tempo que existe um movimento contrário: a necessidade de criar, pela ficção, um novo ambiente familiar. Desfamiliar o mundo conhecido torna-se uma maneira de construir um universo familiar por outros meios.

Charles desfamiliariza aquilo que conhece para construir outro universo possível. O Cariri e o sertão continuam presentes, mas não como paisagens a serem representadas. Tornam-se memórias e matérias para construção de uma mitologia própria. Como em um sonho, o artista absorve elementos da realidade e os devolve transfigurados. Por isso, até um vulcão, estranho à identidade cultural do Cariri, pode falar sobre esse território do ponto de vista subjetivo.

Dese modo, Charles pensa a pintura como uma forma de contar histórias. Suas imagens funcionam como micro-dramas em que memória e ficção se misturam. Casas, cidades e labirintos formam arquiteturas da memória: a casa pode ser inconsciente, o labirinto pode lembrar a estrutura da mente e a paisagem pode funcionar como autorretrato. O Cariri deixa de ser uma paisagem a representar e passa a ser matéria para inventar geografias impossíveis, onde casas, vulcões e chapadas funcionam como autorretratos de estados subjetivos.

As pinturas tornam-se, assim, uma espécie de palco mental. Arquitetura e cidade não organizam apenas espaços externos, mas estados internos. Uma pintura pode condensar a história inteira de um sonho em um único plano. Cenas simultâneas rompem a continuidade do tempo e aproximam a imagem da memória fragmentária. Nesse teatro mental, o cotidiano se transforma em um realismo fantástico, enquanto terror, sonho e pesadelo embaralham o dentro e o fora, o familiar e o infamiliar.

“Erotar” é a primeira exposição individual da artista Bárbara Banida, que, há mais de 10 anos, investiga modos de sobrevivência em ambientes adversos à potencialização da vida. Daí surge o seu fascínio pelas estratégias criadas pela natureza para sobreviver diante da devastação ambiental e, ao mesmo tempo, pelas práticas de resistência construídas por pessoas dissidentes para permanecerem vivas frente à violência estrutural da sociedade.

Em um mundo colapsado (marcado pelo preconceito e pelas mudanças climáticas), Bárbara recusa as narrativas pessimistas de fim do mundo (que acreditam que a vida na Terra está com os dias contados) e imagina outros futuros possíveis para a natureza e para as pessoas na contra-norma.

“Erotar” é um planeta em estado de regeneração, fabulado por Bárbara, no qual a vida nasce outra vez. Diferente de como a vida evoluiu na Terra, em Erotar a vida nasce livre, sem divisões entre os reinos minerais, vegetais e animais. Por isso, as obras de Bárbara parecem formas amnióticas em estado de nascimento, dançando um movimento de crescimento e expansão da matéria e do espírito.

Cada obra é um portal para Erotar. As suas esculturas em cerâmica são corpos dos seres alienígenas que habitam esse planeta; são criaturas híbridas, com anatomias aberrantes, abstratas e inclassificáveis, que resistem à captura do reconhecimento e da linguagem. Já as suas pinturas em óleo e em óxido de ferro são imagens das paisagens de Erotar, geografias ficcionais com cores surrealistas que emanam forças de germinação da vida.

Com uma produção de 50 anos, Rita Lessa (Belo Horizonte, MG, 1959) investiga a pintura como um portal de acesso ao irrepresentável, isto é, uma dimensão inconsciente que é anterior à subjetividade humana e que, portanto, escapa à linguagem.

Com uma mão descolonizada da representação, o seu traço livre se aproxima dos desenhos de criança, articulando impulsos primevos e signos selvagens. Por isso, as suas imagens habitam um limiar tênue entre a figuração e a abstração, entre o concretismo e a geometria livre, entre o belo e o grotesco, entre o estranho e o familiar.

A sua pesquisa articula diversos temas como arte povera, surrealismo, misticismo, erotismo, fantasmagoria e bestiário medieval. Suas imagens nascem do espanto primordial como o mundo, desse contato avassalador do sujeito com o fora. Podemos falar da obra de Rita menos pelo que vemos e mais pelo que ela nos provoca: um assombro. Algo nos pertuba. Algo nos transforma.

Exposição coletiva em parceria com a instituição Porto Iracema das Artes com os artistas Bárbara Banida, Beatriz Benitez, bento ben leite, Hirlan Moura e Samuel Tomé.

A exposição apresenta a nova pesquisa da artista Nicolle Rocha em torno do hermetismo e da geometria sagrada. A artista investiga formas universais encontradas em diversas culturas, civilizações antigas, filosofias, tratados científicos, livros de ciência e de alquimia. Em suas obras, as formas criam esquemas mentais de interpretação da realidade e modos sensíveis de comunicação entre mundos.

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​Nesse sentido, a prática de Nicolle Rocha nasce menos de um projeto previamente calculado e mais de um processo intuitivo de escuta das formas e da matéria. A artista não desenha nem planeja rigidamente suas composições; as formas emergem no encontro entre água, pigmento e gesto, como se a pintura se tornasse um campo de impressão de pensamentos, intuições e forças mágicas.

A exposição “Insolação”, na Cave, é a primeira exposição individual de Mari Nagem no Ceará. Com curadoria de Lucas Dilacerda, a mostra apresenta um recorte da sua pesquisa “Direito à sombra”, desenvolvida na residência internacional “Mormaço: arte, clima e formas resilientes de viver nas cidades”, realizada por uma parceria entre as instituições Sony CSL - Rome e a Unifor, no contexto do S+T+ARTS. A residência busca um cruzamento entre arte, ciência, tecnologia e saberes ancestrais como forma de imaginar alternativas à crise ambiental. E, para isso, Mari investiga o aumento do calor e a sombra como tecnologia ancestral de resfriamento.

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​Portanto, na exposição, a luz não é apenas um raio de energia e calor, mas é também um signo para pensar o iluminismo e o seu projeto moderno de urbanização colonial, racional e de injustiça climática das cidades brasileiras. Diante desse contexto de excesso de luz que nos cega de tanto ver, a artista nos propõe observar a sombra como um gesto de resistência e fabulação de outras ecologias possíveis.

“Céu da boca da noite” é a primeira exposição individual da artista Gi Monteiro, travesti negra que inscreve no tempo um fazer em arte como ferramenta política, para relembrar a relação que corpos negros e trans construíram com o mistério. Para isso, a exposição reúne um conjunto de pinturas, desenhos, tecidos, esculturas, fotografias e instalações que apresentam a pesquisa da artista sobre o escuro como possibilidade poética de liberdade.

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​Na obra de Gi Monteiro, o escuro não é ausência de luz, mas sim abundância de novas possibilidades de vida. Indo na contramão da tradição moderna, colonial e iluminista que acreditava na razão como uma luz que iluminava os objetos, tornando-os visíveis e transparentes ao controle do sujeito, a artista investiga o escuro como uma anti-matéria do mundo, isto é, como aquilo que foge da colonialidade, justamente porque é imprevisível, incognoscível e incomensurável. O escuro desmorona a soberania da visão e ativa outras sensorialidades, inventando assim novas formas de se relacionar com o mundo. Por isso, o escuro profundo é a gestação do impossível e o reencantamento do real.

“Arqueologia da superfície” é a primeira exposição individual da artista Cristina Vasconcelos. A sua poética se fundamenta em uma crítica à centralidade do humano e aos seus impactos no planeta. Por isso, na tentativa de descentralizá-lo, cada obra sua é um mapa de um mundo sem humanos, situado em um longínquo passado pré-histórico ou em um futuro pós-apocalíptico. Nessas obras, não vemos a presença de humanos, mas sim a manifestação do silêncio. Em oposição a um mundo onde imperam a velocidade e a produtividade, o trabalho de Cristina parece ir na contramão da humanidade, sugerindo mapas — não geográficos, mas espirituais — de um mundo em estado de repovoamento.

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​Por isso, os diversos materiais que compõem o seu trabalho — barro, areia, vidro, carvão, grafite, ferrugem, óxidos de ferro, aço, resina, concreto, acrílico, óleo, látex, silicone, borracha etc. — não são apenas materialidades técnicas, mas sim arquivos vivos que guardam a memória e a história de mundos desconhecidos. O verdadeiro trabalho da artista é o da escuta dos desejos da matéria, que não se comunica por palavras, mas sim por imagens que se manifestam de forma abstrata, espiritual e metafísica.

Telma Gadelha pinta seres que vivem entre mundos: entre o terreno e o espiritual, entre a ordem e o caos, entre o sagrado e o profano, entre o ancestral e o contemporâneo. “Entremundos” é a sua primeira exposição individual e apresenta um conjunto de pinturas que tiveram início em resposta ao encantamento causado por imersões recentes no Cariri cearense.

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A poética da artista costura referências da arte medieval com o repertório da arte contemporânea, inventando um universo pictórico que é, ele mesmo, um entrelugar. As suas telas evocam a teatralidade das iluminuras, os ícones de santos, a arquitetura da devoção, mas tudo isso contaminado por signos populares, humor escatológico e crítica à história da colonização. Há aqui uma espécie de carnaval litúrgico, onde Fra Angelico encontra o careta do Cariri, e onde o céu e o inferno se confundem na mesma procissão.

Exposição individual do artista Marçal Athayde onde são apresentadas pinturas e objetos inspirados no poema "uma fotografia aérea" de Ferreira Gulla

Exposição coletiva dos artistas Gi Monteiro, Júlio Jardim e Navegante Tremembé onde apresentam pinturas, desenhos e esculturas que abordam temas como ecologia e ancestralidade.

Exposição individual do duo de artistas Acidum Project, apresentando a nova produção abstrata e escultórica de Terezadequinta e Robézio, que discutem temas como espiritualidade e proteção.

Cave inaugura o seu espaço expositivo com a exposição coletiva "delírio ardente" que conta com obras de 35 artistas.

Exposição individual do artista Charles Lessa, com curadoria de Steve Coimbra, em parceria entre Cave, Garrido e Nós Galeria.

Projeto Ocupa Cave com exposição individual do artista André Nódoa, com curadoria de Jared Domício.